"Энциклопедия «Искусство». Часть 2. Д-К (с иллюстрациями)" - читать интересную книгу автора (П. Горкин А., редактор гл.)Горкин А. П., гл. редактор |
В своих картинах Давид стремился придать сюжетам из античной истории современное, актуальное звучание. Его живописная манера, отличающаяся лаконизмом, чётким рисунком и суровым ритмом, выразительной светотеневой моделировкой, сродни возвышенному языку античной трагедии («Андромаха, оплакивающая Гектора», 1783). Художник наделял своих героев высокими нравственными качествами и несгибаемой силой воли. Согласно эстетике
Некоторые работы художника напрямую отражали события современной действительности (эскиз неосуществлённой картины «Клятва в зале для игры в мяч», 1791; «Коронование Жозефины», 1805-07). Поразительной силой воздействия на зрителя обладает монументальная и трагичная в своей суровой простоте «Смерть Марата» (1793). Художник проявил себя как талантливый портретист. В его парадных и камерных портретах (врача А. Леруа, 1783; учёного-химика А. Л. Лавуазье с женой, 1788; мадам Рекамье, 1800, и др.), а также «Автопортрете с палитрой» (1794) сочетаются традиции классицизма и
Во время французской революции деятельность Давида не ограничивалась областью живописи. Он руководил организацией празднеств, в которых прославлялись идеи Свободы, Равенства и Братства, вносил предложения относительно реформирования Лувра, превращённого в это время в музей, активно участвовал в политической жизни страны: голосовал за казнь короля Людовика XVI, в 1792 г. стал депутатом Конвента. В период правления Наполеона I Давид воспевал императора и величие Французской империи. После восстановления королевской власти художник был вынужден покинуть родину и уехать в Брюссель.
Из мастерской Давида вышли такие крупные живописцы, как А. Гро, Ф. Жерар и Ж. О. Д.
ДАДАИ?ЗМ (от франц. dada – конёк, деревянная лошадка; детский лепет), авангардистское литературно-художественное течение. Возникло в 1916 г. в Цюрихе (Швейцария) среди эмигрантов разных национальностей как протест против Первой мировой войны и европейской цивилизации в целом как её первопричины. Название «дада», по довольно противоречивым свидетельствам, было случайно найдено в словаре Ларусс одним из основателей течения румынским поэтом Тристаном Тцарой (настоящее имя Самуил Розеншток). Поэта привлекла неопределённость значения слова в разных языках. Тцара собрал вокруг себя интернациональную группу, в которую вошли его соотечественник литератор, художник, архитектор М. Янко, скульптор, художник и поэт из Эльзаса Ж. Арп, немецкие писатели-эмигранты Г. Балль и Р. Гюльзенбек и др. В 1917-20 гг. выходил журнал «Дада», выдержавший семь изданий.
Теоретическое оформление течения произошло в 1918 г., когда Тцара опубликовал первый «Манифест Дада», за которым последовало ещё шесть. Дадаисты отказывались от общечеловеческих ценностей – разума, религии, морали, красоты – в пользу свободы: «Мы с лёгкостью издевались надо всем, ничего не было для нас святого, мы всё оплёвывали… мы представляли собой чистый нигилизм, и нашим символом являлось Ничто, Пустота, Дыра». В 1919 г. Тцара вместе со своими единомышленниками перебрался в Париж. Дадаистские группы возникли также в Берлине (Р. Гюльзенбек, Г. Гросс, Р. Хаусманн), Ганновере (К. Швиттерс), Кёльне (Ж. Арп), Голландии (Т. ван Дусбург), Нью-Йорке (М. Дюшан, Ф. Пикабиа, М. Рей). Движение Дада стало не столько направлением в искусстве, сколько интеллектуальным бунтом. Цюрихский клуб «Кабаре Вольтер» устраивал эксцентричные акции антисоциального и антикультурного характера, провоцируя публику на ответную реакцию возмущения. Скандально известная попытка Дюшана выставить писсуар в качестве произведения искусства для экспонирования на Нью-Йоркской выставке 1917 г., перерисовки технических чертежей в полотнах Пикабиа, коллажи Швиттерса и Арпа из случайных предметов стали зримым выражением кризиса европейской культуры первой четверти 20 в. и поисков новых путей в искусстве. Движение просуществовало до 1922 г., после чего дадаизм во Франции слился с
ДАЛИ? (dali) Сальвадор (полное имя Сальвадор Фелипе Хасинто Дали-и-Доменик) (1904, Фигерас, Испания – 1989, там же), испанский живописец, график, скульптор, декоратор, ювелир, дизайнер; один из лидеров
В Париже художник вместе с Бюнюэлем снял фильмы «Андалузский пёс» (1928) и «Золотой век» (1930). Шокирующие кадры из «Андалузского пса» с лезвием, разрезающим глаз человека, придумал именно Дали. Вернувшись в Испанию, художник познакомился с женой поэта Поля Элюара Еленой Дьяконовой, русской по происхождению. В 1934 г. она стала супругой Дали. Гала, как называл её художник, на протяжении всей его жизни оставалась для него возлюбленной, подругой, музой, менеджером. Дали часто изображал её в своих картинах («Градива» и др.).
Видения художника предстают в его полотнах как кошмарная реальность. Свой художественный метод мастер называл «параноидально-критическим» (его обоснование содержится в книге Дали «Видимая женщина», 1920). В картинах, написанных в оптически иллюзорной манере, призванной убедить зрителя в достоверности изображённого, фигуры и предметы растягиваются (мягкие часы в картине «Постоянство памяти», 1931), растворяются, превращаются в другие (два пассажира в «Призрачной повозке», 1933, оказываются башнями далёкого города). С сер. 1930-х гг. Дали создавал сюрреалистические объекты («Телефон-омар», 1936; «Диван-губы», 1936-37, и др.). Его эксцентричные выходки привлекали внимание публики и прессы. На Международной выставке сюрреалистов в Лондоне (1936) художник появился в костюме водолаза, подходящем, по его мнению, для погружения в подсознание. Для выставки в Париже он создал композицию «Дождливое такси»: в машине сидел обнажённый манекен, его тело было покрыто живыми улитками; в салон лилась вода из дыр в крыше. Переживания по поводу гражданской войны в Испании Дали выразил в «Осеннем каннибализме» (1936) и «Мягкой конструкции с варёными бобами: Предчувствие гражданской войны» (1936). Постоянное стремление Дали к мистификациям и публичным скандалам, а также его сочувственное отношение к фашистским режимам вызвали конфликт художника с парижскими сюрреалистами. В 1939 г. Дали вышел из объединения, заявив, что является единственным подлинным сюрреалистом: «Сюрреализм – это я».
В 1940-48 гг. Дали и Гала жили в США. Среди известных картин этого времени – «Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» (1944). В Америке Дали нажил большое состояние, участвуя в коммерческих проектах, работая в театре, создавая дизайн ювелирных украшений и модной одежды, рекламную продукцию. После возвращения в Испанию (1948) художник всё больше проникался идеями католицизма. Религиозные мотивы, классицистическая композиция, подражание технике старых мастеров характерны для картин 1950-х гг. («Тайная вечеря», 1955; «Открытие Америки, или Мечта Христофора Колумба», 1958-59). С 1970-х гг. художник нередко прибегал к методам, позволяющим как можно убедительнее передать объём (наподобие голографии). В 1974 г. Дали построил Театр-музей Дали в Фигерасе и ещё один музей в Кливленде. В последние годы он часто обращался к фотографии.
Творчество Дали оказало значительное влияние на изобразительное искусство 20 в. Его идеи в области дизайна и рекламы остаются актуальными по сей день.
ДЕГA (degas) Эдгар (1834, Париж – 1917, там же), французский живописец, график, скульптор; участник выставок импрессионистов. Сын банкира. Вопреки желанию родителей, посвятил себя живописи. В 1855-56 гг. учился в Школе изящных искусств в Париже, копировал работы прославленных европейских мастеров (
ДЕИСУ?СНЫЙ ЧИН, см. в ст.
ДЕЙНEКА Александр Александрович (1899, Курск – 1969, Москва), русский живописец, скульптор, график, монументалист. Учился в Харьковском художественном училище (1915-17), во
Дейнека – мастер книжной и журнальной графики, которую отличает особая, «плакатная» выразительность. Художественные средства живописи обогатил элементами новых видов искусства: кино, фотографии, плаката. Картины 1920-х гг. тяготеют к монументальным формам, их пространственное и ритмическое построение напоминает об опыте
В 1930-е гг. картины Дейнеки насыщаются светом и радостью. «Мать» (1932) воссоздаёт образ материнства, исполненный нежности и любви. Художник обращается также к темам спорта и авиации. В «Будущих лётчиках» (1937) фигурки мальчиков, наблюдающих полёт гидроплана, воплощают молодость и мечту о светлом будущем. Великая Отечественная война нашла отражение в полотнах «Окраина Москвы. Ноябрь 1941 г.» (1941), «Оборона Севастополя» (1942). В 1930-50-е гг. Дейнека активно работал как скульптор, писал
ДЕКOР (от лат. decoro – украшаю), система украшения здания (фасада, интерьера) или изделия. Выступая в единстве с их объёмно-пространственной композицией, декор акцентирует конструктивные элементы или, наоборот, зрительно преобразует конструкцию, внося иные масштабные соотношения,
ДЕКОРАТИ?ВНО-ПРИКЛАДНOЕ ИСКУ?ССТВО, создание художественных изделий, имеющих практическое назначение (домашняя утварь, посуда, ткани, игрушки, украшения и др.), а также художественная обработка утилитарных предметов (мебели, одежды, оружия и т. д.). Мастера декоративно-прикладного искусства используют самые разнообразные материалы – металл (бронзу, серебро, золото, платину, различные сплавы), дерево, глину, стекло, камень, текстиль (натуральные и искусственные ткани) и др. Изготовление изделий из глины называют керамикой, из драгоценных металлов и камней –
В процессе создания художественных произведений из металла используются техники литья, ковки, чеканки, гравирования; текстиль украшают вышивкой или набойкой (на ткань накладывают покрытую краской деревянную или медную доску и ударяют по ней специальным молотком, получая отпечаток); деревянные предметы – резьбой, инкрустациями и красочными росписями. Роспись керамической посуды называют
Декоративно-прикладные изделия должны быть прежде всего удобны в использовании и красивы. Они создают предметную среду вокруг человека, воздействуя на его душевное состояние и настроение. Произведения декоративно-прикладного искусства рассчитаны на восприятие и зрением, и осязанием, поэтому выявление красоты фактуры и пластических свойств материала, искусность обработки играют в нём важнейшую роль. В форме вазы, игрушки, предмета мебели, в системе их украшений мастер стремится выявить прозрачность стекла, пластичность глины, теплоту дерева и текстуру его поверхности, твёрдость камня и естественный рисунок его прожилок. При этом форма изделия может быть как абстрактной, так и напоминать цветок, дерево, фигуру человека или животного.
В украшениях широко применяются различные
Декоративно-прикладное искусство существует с глубокой древности. Художественные изделия тесно связаны с бытовым укладом и обычаями определённой эпохи, народа или социальной группы (дворян, крестьян и т. д.). Уже первобытные мастера украшали резьбой и узорами посуду, изготавливали примитивные украшения из звериных клыков, раковин и камней. В этих предметах воплотились представления древних людей о красоте, о строении мира и о месте человека в нём. Традиции древнего искусства продолжают жить в фольклоре, в изделиях
ДЕЛАКРУA (delacroix) Эжен (1798, Сен-Морис, близ Парижа – 1863, Париж), французский художник, один из самых ярких представителей
В 1830-х гг. Делакруа посетил Марокко, открыв для себя влекущий мир Арабского Востока, которому посвятил множество картин и зарисовок. В «Алжирских женщинах» (1833-34) перед европейским зрителем впервые предстал мир мусульманского гарема. Художник создал также серию портретов представителей творческой интеллигенции, многие из которых были его друзьями (портреты Н. Паганини, Ф. Шопена, Г. Берлиоза и др.).
В поздний период творчества художник исполнил несколько монументальных росписей: центральный
Художник был всесторонне одарён, обладал музыкальным и литературным талантом. Его дневники, статьи о художниках – интереснейшие документы эпохи. Его теоретические исследования законов цвета оказали огромное влияние на будущих импрессионистов и особенно на В.
ДЕСЮДЕПOРТ (франц. dessus de porte, буквально – над дверью), декоративное
ДЖОКOНДА, см. в ст.
ДЖОРДЖOНЕ (giorgione) (настоящее имя Джорджо Барбарелли да Кастельфранко) (1476 или 1477, Кастельфранко, близ Венеции – 1510, Венеция), итальянский живописец эпохи Высокого
Творческая деятельность художника продолжалась всего 10-12 лет. Не сохранилось ни одной подписанной картины Джорджоне; некоторые из его произведений известны только по копиям и гравюрам. Кисти художника предположительно приписывают такие произведения, как: «Мадонна да Кастельфранко» (ок. 1504-05 гг.); «Женский портрет» (т. н. «Лаура», 1506); «Портрет юноши», «Гроза», «Три философа» (все – 1505-06); «Спящая Венера», «Сельский концерт» (1509-10; некоторые историки искусства считают его работой
Скрытое дыхание жизни, пронизывающее полотна художника, органичность изображаемой природы соединяются в зрелых произведениях Джорджоне с утончённостью эмоциональной атмосферы и сложным, ассоциативным характером сюжетного замысла, что придаёт его работам черты загадочности, недосказанности. В «Грозе» на небе клубятся тёмные тучи, сверкают молнии. На переднем плане на берегу ручья молодая женщина кормит ребёнка. Задумчиво стоит юноша, опираясь на свой посох. Взволнованный, тревожный пейзаж выражает чувства не столько персонажей, сколько самого художника. Считается, что начало пейзажному жанру в итальянской живописи было положено именно этой картиной. Лиричностью проникнуты созданные Джорджоне портреты.
Главная тема поздних произведений («Спящая Венера», «Сельский концерт») – гармоничное единство человека и природы. Сохраняя ясность объёма, чистоту и выразительность контуров, художник с помощью мягкой прозрачной светотени добился органического слияния человеческой фигуры с пейзажем.
Джорджоне скончался в раннем возрасте, согласно легенде заразившись чумой от своей возлюбленной. Его творчество оказало определяющее влияние на венецианскую живопись 16 в. и положило начало периоду её яркого расцвета. Достижения Джорджоне были восприняты многими современниками художника (Джованни Беллини, Себастьяно дель Пьомбо, Я. Пальмой Старшим) и получили дальнейшее развитие в творчестве его гениального ученика Тициана.
ДЖOТТОДИ БОНДOНЕ (giotto di bondone) (1266 или 1267, Колле-ди-Веспиньяно (?), Италия – 1337, Флоренция), итальянский живописец эпохи Проторенессанса (Предвозрождения). Вероятно, учился в мастерской знаменитого флорентинского мастера Чимабуэ (1280-90). Работал главным образом в Падуе и Флоренции. Пользовался широким признанием среди своих современников. В начале 1300-х гг. посетил Рим. С 1334 г. руководил строительством собора Санта-Мария дель Фьоре и городских укреплений во Флоренции.
С именем Джотто связан переворот в развитии итальянской живописи. Смело порвав со средневековыми художественными канонами, Джотто внёс в религиозные сюжеты земное начало. Сцены евангельских легенд он изображал с жизненной убедительностью, превращая их в исполненное драматизма увлекательное повествование. К числу ранних работ Джотто относятся некоторые из фресок Верхней церкви Сан-Франческо в Ассизи (между 1290 и 1299 г.). В 1304-06 гг. художник расписал стены капеллы Скровеньи (капеллы дель Арена) в Падуе. Расположенные на стенах капеллы в три яруса, росписи воссоздают историю жизни Богоматери и Христа. Каждая из представленных сцен, заключённая в орнаментальную «раму», превращалась в подобие картины, в которой соблюдалось единство времени и места. Персонажи наделены сдержанностью и благородством. Массивные, величественные объёмы фигур, скупо намеченное пространство, пластическая и эмоциональная выразительность жестов, светлый, праздничный колорит сделали росписи выдающимся произведением проторенессансной живописи в Италии. В 1300-02 гг. художник выполнил росписи в церкви Бадия во Флоренции, фрагменты которых были обнаружены в процессе реставрации 1966 г., а также ряд алтарных образов, среди которых наиболее известна «Мадонна во славе» (1310-20). Сохраняя традиционную композицию, идущую из византийской живописи, Джотто достиг большей убедительности пространственного построения, монументальности и внутренней значительности образа. К позднему периоду творчества художника относятся росписи капелл Перуцци (ок. 1320 г.) и Барди (1320-25) во флорентийской церкви Санта-Кроче со сценами жития святых Иоанна Крестителя, Иоанна Евангелиста, Франциска Ассизского. Их отличают монументальность, величие и торжественность, лаконизм композиции, сдержанность красочной гаммы.
Джотто проявил себя также в качестве архитектора, создав проект кампанилы (колокольни) Флорентийского собора (строительство начато в 1334 г., продолжено в 1337-43 гг. Андреа Пизано, завершено ок. 1359 г. Ф. Таленти). Сохранив готический
ДИЗAЙН, художественное проектирование промышленных изделий, учитывающее форму, материал и назначение предмета. Деятельность дизайнера направлена на создание органичной человеку предметно-пространственной среды. Современный дизайн является областью, где объединяются новейшие достижения науки, техники, гуманитарных знаний и художественно-эстетическая сфера; используются данные эргономики (науки, изучающей психофизиологические и функциональные особенности человека), экономики, экологии. Дизайнер руководствуется принципом функциональности форм, использует современные материалы и технологии, учитывает тенденции моды.
Область применения дизайна охватывает все виды человеческой жизни и деятельности: орудия труда и механизмы, предметы быта (посуда, бытовые приборы, аудио- и видеоаппаратура, мебель), одежду, книги и рекламную продукцию, оформление жизненного пространства человека – жилых интерьеров и садово-парковых зон (ландшафтный дизайн). Современные технологии вызвали к жизни компьютерный дизайн. Подобно произведениям «высокой моды», в художественном проектировании создаются уникальные авторские произведения «дизайна как искусства» (арт-дизайн).
Появление дизайна в кон. 19 в. связано с промышленной революцией, развитием массового производства. Его истоки – в практике английского «Движения искусств и ремёсел», связанного с именем У. Морриса. В нач. 20 в. возникают фирменные стили немецкой электротехнической компании «АЕГ» и американской «Форд моторс». Первые крупные дизайнерские школы –
В СССР в 1962 г. был организован ВНИИТЭ (Всесоюзный научно-исследовательский институт технической эстетики). На предприятиях создавались художественные лаборатории, открывались кафедры художественного конструирования в вузах. 1970-е гг. – время создания концептуальных проектов, решавших проблему синтеза предметной среды и архитектуры.
В кон. 20 – нач. 21 в. в связи с распространением компьютерных технологий получил развитие веб-дизайн – проектирование и оформление виртуальных страниц сайтов в Интернете, включающее элементы анимации. Широко востребованы также дизайн интерьеров жилых и общественных зданий, ландшафтный дизайн. Дизайнеров готовят ведущие художественные и строительные вузы; создаются специализированные студии и бюро и авторские школы дизайна.
ДИОНИ?СИЙ (ок. 1440 – после 1503), русский иконописец, мастер фрески; представитель московской школы живописи, продолжатель традиций Андрея
Иконы Дионисия, сияющие светлыми, торжественнымибелыми, золотыми, красными красками, пронизаны ликующей радостью. Даже «Распятие» (ок. 1500 г.) не передаёт трагедию умирающего на кресте Спасителя, а утверждает победу жизни над смертью. Житийные иконы мастера и его учеников давали зримые образы человеческой жизни как пути духовного совершенствования («Митрополит Пётр с житием», «Митрополит Алексий с житием»; обе – ок. 1481 г.). Фигуры московских митрополитов возвышаются посреди преображённого их трудами и молитвами благостного и несуетного мира. Прославление именно отечественных святых подвижников и основателей монастырей («Прп. Кирилл Белозерский», рубеж 15-16 вв.) отвечало идее укрепления русской церкви и русской государственности. В житийных сценах представлены не только сотворённые ими чудеса, но и деяния во благо государства, переговоры с князьями, поездки в Орду, возведение соборов. В фигурах митрополитов мастер подчёркивает «ангелоподобность», удлиняя их пропорции, замедляя ритм движений. Невесомые, почти бесплотные фигуры, словно парят в светозарных сферах.
Вершина творчества Дионисия – выполненные им совместно с сыновьями росписи собора Рождества Богородицы Ферапонтова монастыря в Вологодской области. Чудом сохранившиеся почти в полной неприкосновенности фрески погружают вошедшего в храм в атмосферу небесного праздника. Среди сюжетов, посвящённых земному пути и прославлению Богородицы, нет главных и второстепенных; все детали, подобно голосам в хоре, звучат в ликующе-радостном созвучии. В красочной гамме фресок царствует синий – цвет Богородицы и горнего, небесного мира. Удлинённые фигуры, погружённые в глубокую синеву, вырваны из плена земного притяжения; все линии, силуэты, движения устремлены ввысь. Каждая сцена – торжественное, возвышенное, полностью очищенное от обыденности действо. Сюжеты разворачиваются на стенах по мере движения вошедшего в храм от входа к алтарю, от «Страшного суда» в западной части до композиций, звучащих радостным гимном Богородице («Покров», «О Тебе радуется», «Собор Богоматери»), в светлом подкупольном пространстве.
После 1503 г. сведения о жизни и творчестве мастера отсутствуют.
ДИ?ПТИХ, см. в ст.
ДОБУЖИ?НСКИЙ Мстислав Валерианович (1875, Новгород – 1957, Нью-Йорк), русский график и театральный декоратор. Участник художественного объединения «
В творчестве Добужинского особое место занимает Санкт-Петербург. В отличие от других мирискусников, художник воссоздаёт не его парадный блеск и славное историческое прошлое, а образ современного города, безлюдного и бездушного; дворы-колодцы и зловещие закоулки («Домик в Петербурге», «Старый домик»; оба – 1905; «Человек в очках», 1905-06; «Окно парикмахерской», 1906; «Гримасы города», 1908; серия «Городские сны», 1900-10). Городские пейзажи пронизаны тревожными предчувствиями, подчас трагической безысходностью.
Добужинский плодотворно работал в области книжной и журнальной графики, оформляя юмористические и сатирические издания («Шут», 1902; «Жупел», 1905-1906; «Адская почта», 1906), а в 1900-10-х гг. – авторитетные литературно-художественные альманахи («Мир искусства», «Золотое руно», «Аполлон»). Стильные и изысканные обложки, иллюстрации и виньетки художника, созданные в аскетически-строгой чёрно-белой гамме, во многом определили облик этих журналов. Добужинский прославился как тонкий и проникновенный интерпретатор литературных произведений (иллюстрации к «Казначейше» М. Ю. Лермонтова, 1913; «Белым ночам» Ф. М. Достоевского, 1923; «Трём толстякам» Ю. К. Олеши, 1928, и др.). Блестяще владея мастерством создания лаконичных эмблем, разработал множество экслибрисов (книжных знаков), почтовых открыток и марок.
Добужинский был также выдающимся театральным декоратором, работал как художник кино. Особую известность приобрело оформление спектакля Московского художественного театра по пьесе И. С. Тургенева «Месяц в деревне» (1909). Позднее сотрудничал с антрепризой С. П.
Драматические урбанистические мотивы Добужинского предвосхитили поиски футуристов и экспрессионистов. Его декорации и костюмы явились промежуточным звеном между
ДОМЬE (daumier) Оноре Викторьен (1808, Марсель – 1879, Вальмондуа, близ Парижа), французский живописец, график и скульптор. Сын стекольщика. С 1814 г. жил в Париже. Брал уроки рисования у художника А. Ленуара, работал в мастерской Э. Будена, копировал живопись и изучал античную скульптуру в Лувре, обучался искусству
Домьебыл блестящим мастером журнальной политической
Домье делал также рисунки для «репортажных» литографий на злободневные сюжеты («Улица Транснонен, 15 апреля 1834 г.»; изображена сцена расправы над восставшими рабочими в Париже). Композиционное построение этой работы предвосхищает находки кинематографа: художник использует крупный план, резкие, необычные
Одним из первых Домье сумел почувствовать и передать в своём искусстве образ современного города с нависающими громадами домов и торчащими трубами, шумным потоком толпы, контрастами богатства и нищеты и трагическим одиночеством затерянного в нём человека. Пластическая мощь и композиционная изобретательность его графических работ стали образцом для художников следующих поколений.
ДОНАТEЛЛО (donatello) (настоящее имя Донато ди Никколо ди Бетто Барди) (1386 или 1387, Флоренция – 1466, там же), итальянский скульптор эпохи Раннего
В 1431 г. Донателло посетил Рим, где изучал наследие античности. Под впечатлением от античного искусства были созданы трибуна для певчих во Флорентийском соборе, украшенная рельефом с упоённо пляшущими крылатыми младенцами-путти (1433-39), и рельеф «Благовещение» в церкви Санта-Кроче во Флоренции (т. н. алтарь Кавальканти, 1428-33). В трактовку сюжета из Священного Писания скульптор внёс пленительную жизненную непосредственность. Ангел опустился на колено перед Марией, как юный рыцарь перед прекрасной дамой. Мария, златокудрая красавица с книгой в руке, благоговейно внимает его словам. Скульптура выполнена из серо-голубого песчаника с позолотой в виде высокого, почти в полный объём, рельефа.
В бронзовой статуе «Давид» (1430-е гг.) Донателло впервые в ренессансной скульптуре обратился к изображению обнажённого тела. Работая в Падуе, мастер создал первый светский монумент эпохи Возрождения – конную статую венецианского кондотьера (наёмного военачальника) Эразмо де Нарни, по прозвищу Гаттамелата («Чёрная кошка»; отлита в 1447 г., установлена в 1453 г.). Образцом для Донателло послужил древнеримский памятник императору Марку Аврелию. Кондотьер изображён в античных доспехах и с жезлом полководца в руке. В ясности и лаконичности форм, чёткости энергичного силуэта, спокойной посадке всадника и сдержанной силе поступи коня выражены волевая собранность, героическая готовность к бою. В поздних работах Донателло (алтарь св. Антония Падуанского, 1450, и четыре рельефа со сценами из жизни святого, 1446-48; деревянная статуя Марии Магдалины, 1450-е гг.; бронзовая скульптурная группа «Юдифь и Олоферн», ок. 1456-57 г.; статуя Иоанна Крестителя, 1451; рельефы кафедр церкви Сан-Лоренцо во Флоренции на темы Страстей и Воскресения Христа, 1460-е гг.) усиливается драматизм, ощущается духовный надлом, суровая отрешённость.
В творчестве Донателло воплотился ренессансный образ человека, гармонически соразмерного окружающему миру, наделённого характерностью облика и жизненной активностью, естественностью и простотой. Наследие мастера оказало значительное влияние на дальнейшее развитие итальянской скульптуры.
ДОНAТОР (лат. donator – даритель), часто встречающееся в живописи, скульптуре, декоративно-прикладном искусстве Средних веков и эпохи
Часто донаторы представлены с моделями возведённых на их средства зданий в руках. Так, в мозаиках храма Св. Софии в Константинополе император Юстиниан держит в руках его модель; император Константин Великий подносит Богоматери с Младенцем модель основанного им города, посвящённого Царице Небесной.
ДОНЖOН, см. в ст.
ДРEВИН, Древиньш Александр Давыдович (1889, Венден, ныне Цесис, Латвия -1938), латышский живописец, портретист, пейзажист. Муж художницы Н. А. Удальцовой, отец скульптора А. А. Древина. Родился в семье рабочего. Учился в Риге в мореходной школе (1904-07); за участие в революционных событиях был арестован (1906). Продолжил образование в Рижской городской художественной школе (1908-14). Входил в кружок молодых латышских модернистов «Зелёный цветок». С 1914 г. жил в Москве. Был членом общества «
В ранний период творчества в поисках собственного стиля писал работы в духе
В 1930 г. Древин был отстранён от преподавания, его творчество подверглось резкой критике. В январе 1938 г. художник был арестован и через месяц репрессирован. Реабилитирован посмертно.
ДРEВНЕГО ЕГИ?ПТА ИСКУ?ССТВО, искусство государства, расположенного в нижнем течении р. Нил (Северо-Восточная Африка), где возник один из древнейших очагов цивилизации. В истории древнеегипетского искусства выделяют следующие периоды: Древнее царство (31-22 вв. до н. э.), Среднее царство (21-16 вв. до н. э.), Новое царство (16-11 вв. до н. э.) и поздний период (11 в. до н. э. – 6 в. н. э.). Особый период составляет время правления фараона Эхнатона (т. н. эпоха Амарны; 1365-48 гг. до н. э.).
Искусство Древнего Египта было тесно связано с религией и мифологией. Все произведения искусства создавали по строгим правилам – канонам. В честь богов воздвигали грандиозные храмы. В скульптуре и живописи их изображали как в человеческом облике (солнечный бог Амон-Ра, властитель загробного мира Осирис и его супруга Исида – богиня любви и материнства, богиня справедливости и космического порядка Маат и др.), так и в виде животных или людей с головами животных (Хор – в образе сокола; бог мудрости, правосудия и письменности Тот – птицы ибиса; покровитель бальзамировщиков и проводник умерших в загробное царство Анубис – шакала; богиня войны, болезней и покровительница врачевателей Сохмет – львицы и т. д). В отличие от др. культур Древнего Востока, египтяне подчёркивали в образах богов не устрашающе-ужасные черты, а величие и торжественность. Фараонов (царей) почитали как живых богов. Искусство было ориентировано на потустороннюю жизнь. Египтяне верили в продолжение жизни после смерти, если будет сохранено тело. Тела умерших обрабатывали специальными составами, превращавшими их в мумии. По представлениям египтян, после смерти продолжали существовать жизненные сущности человека. Одна из них – Ба, жизненная сила – изображалась в виде птицы, вылетающей из уст умершего. Другая – Ка, невидимый двойник. В гробничных статуях и рельефах изображался не сам человек, а его Ка, который рождался вместе с человеком, однако не имел возраста и не менялся, поэтому покойного представляли в образе цветущего, здорового юноши. На всех изображениях подписывали имя (Рен), которое также считалось одной из сущностей человека. Статуя без надписи считалась незавершённой. Особое значение имели инкрустированные или раскрашенные глаза в скульптурах и рельефах. Для египтян зрение было важнейшим условием жизни, а мёртвый мыслился как слепец. Согласно египетским мифам, бога Осириса, предательски убитого братом Сетом, воскресил его сын Хор, давший ему проглотить свой глаз. Перед погребением мумии необходимо было совершить особый ритуал «отверзания уст и очей», «оживляющий» её для вечной жизни. Подобным обрядом завершалось и создание статуи, которая должна была заменить мумию в случае её утраты. Уже в юности состоятельные египтяне начинали украшать свои «вечные дома» – гробницы – рельефами и настенными росписями, не предназначенными для осмотра, а призванными обеспечить умершему изобилие и довольство в загробном существовании. Изображения воспринимались как нечто «живое», обладающее магической силой. Слово художник означало «творящий жизнь».
Искусство Древнего царства стало образцом для египтян последующих эпох: в их представлении это было время, когда царствовал порядок, установленный богами, некогда правившими на земле. Столичным городом был Мемфис. Архитектура, как и в позднейшие эпохи, играла главную роль. Здания возводились из камня (известняка); их отличают строгие геометризованные формы, грандиозный масштаб. Были выработаны типы сооружений, которые применяются и поныне (пирамиды,
Скульптура являлась органической частью гробниц, храмов и дворцов. Воздвигались огромные статуи богов и фараонов, олицетворявшие их мощь и власть, но никогда – злых демонов. Сложилось три типа царских статуй: «идущий» фараон с выдвинутой вперёд ногой (парная статуя Микерина и царицы Хамерернебти, 27 в. до н. э.); сидящий на троне с руками на коленях (статуя Хефрена, 27 в. до н. э.); в облике бога Осириса – стоящая фигура с руками, сложенными на груди и держащими символы царской власти (жезл и бич). По подобию царских создавались скульптуры вельмож. Скульпторы использовали камень, дерево, слоновую кость. Предпочитались твёрдые породы камня (гранит, базальт, порфир и др.). Статуарный образ вычерчивали на гранях прямоугольной каменной глыбы, а затем высекали; поэтому в египетских изваяниях всегда ощущается первоначальный кубический объём. Статуи обращены к Вечности; из них изгнано всё случайное, второстепенное. Строгая симметрия, неподвижность, лаконизм и обобщённость форм усиливали ощущение монументальности, незыблемости, торжественного величия. В то же время статуарные образы потрясающе жизненны: связь скульптурного изображения с заупокойным культом требовала передачи портретного сходства (бюст царевича Анх-хафа, сер. 3-го тыс. до н. э.; статуи зодчего и визиря Хемиуна, 27 в. до н. э., писца Каи, сер. 3-го тыс. до н. э., царевича Каапера, сер. 3 тыс. до н. э.; портретные группы царевича Рахотепа с женой Нофрет, первая пол. 3-го тыс. до н. э., и карлика Сенеба с семьёй, 25 в. до н. э.). Статуи и рельефы раскрашивались: тела мужчин – в красно-коричневый цвет, женщин – в светло-жёлтый; обозначались белые одежды, чёрные парики, яркие украшения. Египтяне создали два типа рельефа: очень низкий, едва отступающий от плоскости фона, и врезанный, углублённый в толщу камня. Выдающийся памятник –
Человек и его деятельность – главные темы гробничных рельефов и росписей (гробницы вельмож Ти, ок. 2450 г. до н. э., и Птаххотепа, ок. 2350 г. до н. э.; обе – в Саккара). В захоронениях эпохи Древнего царства не было изображений богов, солнца и луны. Запечатлённый на стенах мир не был зеркальным отражением земного существования; это была искусственно созданная среда, обеспечивающая все потребности владельца гробницы. Рельефы и росписи разбиты на полосы и «читаются» как текст; они настолько точно и подробно передают повседневную жизнь египтян, что служат надёжным источником для её изучения. Однако, по сравнению с реальностью, в изображение загробного «мира-двойника» вносились определённые изменения. Не было сцен государственной службы, свидетельствовавшей о подчинённом положении. Настенные росписи отличает плоскостность, яркость цветов. Египетские мастера работали клеевыми красками, обычно не смешивая их; полутона появились только в поздний период. Выразительность живописи строилась на чёткости силуэтов, контуры которых заполнялись яркими красками. Человека изображали не так, как видели, а таким образом, чтобы дать о нём наиболее полное представление: плечи, туловище и глаз на лице человека изображались анфас, лицо и ноги – в профиль.
В эпоху Среднего царства центром страны стал г. Фивы. Возросла самостоятельность номов (областей), что вызвало расцвет местных художественных школ. Правители областей – номархи – теперь строили гробницы не у подножия царских пирамид, а в своих владениях. Появилась новая форма царского захоронения – скальная (высеченная в толще скалы) усыпальница, вход в которую обычно оформлялся
Ок. 1700 г. до н. э. Египет пережил вторжение азиатских племён – гиксосов (егип. чужеземные правители). Время их 150-летнего владычества было периодом упадка. Изгнание гиксосов из страны в нач. 16 в. до н. э. ознаменовало начало эпохи Нового царства, во время которой Египет достиг небывалого могущества. Для архитектуры этого периода характерны грандиозный размах, роскошь убранства и имперское великолепие. В 16 в. до н. э. был выработан ставший впоследствии классическим тип наземного храма (
Скульптуру и живопись отличает утончённость, внимание к деталям. Силуэты в рельефах и статуях становятся более изысканными, плавными. Появляются попытки передать стремительные движения – мчащиеся колесницы, бегущих зверей (рельеф с изображением военных походов фараона Сети I, 13 в. до н. э.), сильные чувства (рельеф с изображением плакальщиков, кон. 14 – нач. 13 в. до н. э.); фигуры иногда заслоняют друг друга. В настенных росписях появляются изображения потустороннего мира и богов, любимыми сюжетами становятся сцены пиров и охот (гробницы вельмож Нахта, 15 в. до н. э., и Сеннеджема, 13 в. до н. э.; обе – в Фивах). Сквозь прозрачные одежды женщин просвечивает тело. Обнажённые служанки, вопреки канону, изображаются полностью в фас или профиль, со спины; позы отличает естественная непринуждённость. Папирусные свитки с текстами («
В результате реформы фараона Эхнатона был установлен единый культ бога солнечного диска Атона (рельеф «Поклонение Атону», 14 в. до н. э.). Была возведена новая столица Ахетатон («Горизонт Атона»). Искусство этого времени отличает живость и свобода, особый лиризм. Жёсткие каноны смягчились: царь впервые предстал в кругу своей семьи, обнимающим жену и ласкающим дочерей (рельеф домашнего алтаря с изображением семьи Эхнатона, первая пол. 14 в. до н. э.). Подлинными шедеврами являются портретные бюсты царицы Нефертити и Эхнатона (ок. 1340 г. до н. э., скульптор Тутмес).
В 332 г. до н. э. Египет был завоёван Александром Македонским, основавшим в дельте Нила г. Александрию. В контексте культуры
ДРEВНЕГО РИ?МА ИСКУ?ССТВО, искусство государства, возникшего на Апеннинском полуострове, впоследствии распространившегося назападную и юго-восточную части Европы, Малую Азию, побережье Северной Африки, Сирию и Палестину (8 в. до н. э. – 4 в. н. э.). Историю римского искусства принято подразделять на три основных периода: т. н. царский (8 – кон. 6 в. до н. э.); республиканский (6 в. до н. э. – 30 г. до н. э.); императорский (30 г. до н. э. – 476 г. н. э.).
В царский период городом, основанным, по преданию, близнецами Ромулом и Ремом, правили семь царей, последние три из которых были этрусками. Многие традиции культуры этрусков (см. ст.
Становление собственно римского искусства относится к республиканскому периоду. В его начале сохранялось сильное влияние этрусков. На Капитолии, одном из семи холмов на берегу р. Тибр, установили созданную этрусским мастером бронзовую статую волчицы (5 в. до н. э.), по преданию вскормившей своим молоком Ромула и Рема. Эта статуя стала символом Рима. Древнейший храм, посвящённый Капитолийской триаде богов – Юпитеру, Юноне и Минерве (509 г. до н. э.), вероятно, был также возведён этрусскими зодчими и представлял собой трёхчастное (разделённое вдоль на три святилища) здание, поднятое на высокий каменный подий (постамент). Главный фасад был выделен колонным
Скульптура и живопись начинают развиваться с 3-2 вв. до н. э., во многом под влиянием древнегреческого искусства. Во 2 в. до н. э. Греция была завоёвана римлянами. Статуи сотнями вывозились в Рим, греческие мастера и их местные ученики поставили на поток производство копий со знаменитых скульптур. Вскоре, по словам мемуариста, статуи «в греческом стиле» так наводнили Рим, что казалось, будто рядом с живыми людьми город населяет ещё один каменный народ. Собственно римская пластика представлена прежде всего скульптурным портретом и историческим рельефом. Памятником греко-римского стиля является алтарь Домиция Агенобарба (ок. 100 г. до н. э.), украшенный рельефами работы греческого (миф о Нептуне и Амфитрите) и римского (сцена проведения имущественного ценза) мастеров. Скульптурный портрет ярко представляет историю Рима в лицах. Римские портретные бюсты произошли от посмертных масок, хранившихся в домах в соответствии с культом предков. Скульпторы не приукрашивали изображённых, стремясь максимально точно запечатлеть их черты. В лицах римлян чувствуется суровое благородство (т. н. Брут, 3 в. до н. э.; портрет Ю. Цезаря, 1 в. до н. э.), иногда расчётливая трезвость и прозаизм (портрет старого патриция, 1 в. до н. э.), но всегда сила духа и стойкость характера. Сформировалось несколько типов статуй: полководцы в образе героев; римляне в тогах, совершающие жертвоприношения; знатные римляне с бюстами предков (Патриций с портретами предков, 1 в. до н. э.); ораторы, выступающие перед народом (статуя Авла Метелла работы этрусского мастера, 110-90 гг. до н. э.). Портретной в статуях была только голова, само изваяние служило для неё лишь «постаментом». Сельские и городские виллы украшались
Императорский период начинается временем правления Августа (30 г. до н. э. – 14 г. н. э.). Архитектура и изобразительное искусство пережили яркий расцвет. В строительстве всё шире применялся бетон; бетонные стены облицовывали кирпичом и камнем, в том числе ценными породами мрамора. Основой зданий была арочная конструкция; в честь военных побед императора возводились отдельно стоящие
Грандиозными памятниками эпохи ранней Империи были Золотой дом Нерона (64-68 гг., не сохранился), построенный из кирпича и бетона и перекрытый мощными сводами; амфитеатр
Скульптурные портреты ранней Империи отличает сложность мимической выразительности (бюсты Нерона, 50-е гг.; Веспасиана, 70-е гг., и др.). В мраморных бюстах краской тонировались зрачки, губы, возможно волосы. В бронзовых скульптурах в углубления зрачков вставлялись полудрагоценные камни (портрет помпейского ростовщика Цецилия Юкунда, 60-е гг.). Вершиной в развитии исторического рельефа стали рельефы колонны Траяна (113 г.), запечатлевшие поход римской армии против Дакии (возведение мостов, осада крепости и т. д.), и этнографически точно воспроизводящие одежду, оружие, утварь. В правление Адриана скульптурный портрет обретает почти греческую мягкость и нежность в обработке мрамора. Зрачки уже не раскрашивались, а высверливались с помощью бурава, что придавало взгляду живость и естественность. Конная статуя императора Марка Аврелия (161-80) послужила образцом для монументальных памятников последующих веков. В скульптурных портретах Марка Аврелия ощущается усталость, скепсис, философское раздумье.
В настенных росписях второй пол. 1 в. н. э. преобладали фантастические архитектурные виды и «картины» на стенах – мифологические композиции, портреты, натюрморты (роспись дома Веттиев в Помпеях, ок. 79 г.). Во 2 в. бурно развивалась культура римских провинций, где широкое распространение получили мозаики и фрески (Пальмира, Баальбек и др.).
В 3-4 вв. римское искусство переживает кризис. Для архитектуры характерно стремление к гигантским масштабам, избыточная пышность и роскошь отделки (Триумфальная арка Септимия Севера, нач. 3 в.; термы Каракаллы, 206-17, и Диоклетиана, 306; базилика Максенция, ок. 315 г.). Распространяются восточные культы Исиды, Сераписа, Митры, в честь которых воздвигается множество храмов. В статуях и бюстах Каракаллы, Септимия Севера, Юлии Домны ещё сохранялись старые технические приёмы, но их образное наполнение стало иным: ощущается настороженность, подозрительность. К кон. 3 в. всё сильнее проявлялись новые идеалы, связанные с христианским вероучением. В 4 в. Рим потерял былое политическое значение; культурным центром стал Константинополь. В недрах античной культуры вызревало
ДРEВНЕЙ ГРEЦИИ ИСКУ?ССТВО, искусство древнегреческих государств, занимавших южную часть Балканского полуострова, острова Эгейского моря, побережье Фракии, западную береговую полосу Малой Азии и распространивших своё влияние в период греческой колонизации (8-6 вв. до н. э.) на территории Южной Италии, Восточной Сицилии, Южной Франции, на северное побережье Африки, на проливы и побережья Чёрного и Азовского морей. Подразделяется на следующие периоды: «тёмные века» после падения ахейских государств (12-11 вв. до н. э.); т. н. «гомеровскую эпоху» (10-8 вв. до н. э.), архаику (7-6 вв. до н. э.), классику (5-4 вв. до н. э.) и
Искусство «тёмных веков», когда были утрачены утончённые традиции
Наиболее яркое явление культуры «гомеровской эпохи» –
В период архаики происходит становление архитектуры, в основном – храмовой. Первые культовые сооружения были деревянными, затем их стали возводить из камня (мрамора). На смену простейшему типу «храма в антах» (с открытым портиком перед внутренним помещением) появился окружённый колоннадой
В искусстве классической эпохи выделяют периоды ранней (первая пол. 5 в. до н. э.), высокой (450-10 гг. до н. э.) и поздней (410-323 гг. до н. э.) классики. Переходным памятником от архаики к классическому периоду в архитектуре стал храм Афины Афайи на о. Эгина (рубеж 6-5 вв. до н. э.). На его фронтонах представлена битва греков с троянцами. Фигуры поражают сочетанием динамики и неподвижности. Крупнейший памятник ранней классики – храм Зевса в Олимпии – чтимое древнее святилище (470-456 гг. до н. э., архитектор Либон; не сохранился). Фронтоны дорического периптера были украшены скульптурными композициями с состязанием колесниц и битвой лапифов с кентаврами. Несмотря на ярость схватки, лица юношей и девушек не искажены гневом или ужасом, их черты остаются ясными и уверенно-спокойными. Им противопоставлены дикие и буйные кентавры. В храме находилась изваянная
В эпоху высокой классики был возведён ансамбль афинского
После Пелопоннесской войны (431-404 гг. до н. э.), в которой победила Спарта, наступил период кризиса полисной системы. В архитектуре соседствуют громадные здания (храм Артемиды в Эфесе, Мавзолей в Галикарнасе; оба – сер. 4 в. до н. э.) и небольшие постройки (памятник Лисикрата, ок. 335 г. до н. э.). В изобразительном искусстве всё большее значение придавалось передаче индивидуальных черт человека, его внутреннего мира; преобладал интерес к образам людей, а не богов; умиротворённая гармония ранней классики сменилась бурным выражением чувств. Ведущие скульпторы поздней классики –
В эпоху эллинизма влияние греческой культуры распространилось на обширные территории от Египта до Индии.
ДРEВНЕЙ И?НДИИ ИСКУ?ССТВО, искусство государства, расположенного на полуострове Индостан и в бассейнах рек Инда и Ганга; одна из древнейших культур человечества. В истории индийского искусства выделяют период существования древнейших цивилизаций (сер. 3 – сер. 1-го тыс. до н. э.); эпоху Маурьев (322-185 гг. до н. э.); эпоху Шунгов и Кушан (2 в. до н. э. – 3 в. н. э.); эпоху Гуптов (4-6 вв.).
В глубокой древности на территории Индии существовала высокоразвитая цивилизация, названная Хараппской по основному месту раскопок. В долине Инда, в поселениях Мохенджо-Даро и Хараппа (на территории современного Пакистана) сохранились руины городов бронзового века (2500-1500 гг. до н. э.) со строгой планировкой улиц, системой водоснабжения, дворцами и общественными зданиями; были найдены небольшие статуэтки, изображавшие жрецов, танцовщиц, богиню плодородия, исполненные в технике бронзового литья; ювелирные украшения, печати с изображениями животных; щедро орнаментированные керамические изделия. Культура древних поселений погибла в сер. 2-го тыс. до н. э. в результате вторжения в долину Инда ариев – племён, принадлежавших к иранской ветви индоевропейской группы, носителей т. н. ведийской культуры. Об их обычаях и верованиях позволяют судить Веды («Священное знание») – сборник древних религиозных текстов. Арии обожествляли природу (бог Индра олицетворял грозу, Агни – огонь, Сурья, Митра и Савитар – солнце, Притхиви – землю, Варуна – небо), поклонялись духам воды, лесов, неба. В 1-м тыс. до н. э. возникли рабовладельческие государства (крупнейшее – Магадха в Северной Индии). Господствующей религией стал брахманизм. Во главе пантеона богов встала триада: Брахма – созидатель, Вишну – охранитель и Шива – разрушитель. Почитался также громовержец Индра – покровитель царской власти и др. божества. Сформировалась кастовая система: общество делилось на четыре варны (касты). Две высшие касты жрецов (брахманов) и военных (кшатриев) занимали привилегированное положение. Ниже их стояли крестьяне, ремесленники и торговцы (вайшьи) и слуги (шудры). Бурно развивалась архитектура, строились дворцы, украшенные драгоценными камнями. Источником сюжетов и образов для мастеров 1-го тыс. до н. э. стали эпические поэмы «Махабхарата» («Великая битва потомков Бхараты») и «Рамаяна» («Сказания о приключениях царя Рамы»).
Период правления династии Маурьев – время объединения страны, начатого царём Чандрагуптой (ок. 322-320 гг. до н. э.) и завершённого Ашокой (272-232 гг. до н. э.). В мощном рабовладельческом государстве строились города и дороги. Деревянный, на каменном фундаменте трёхэтажный дворец царя Ашоки в столичном городе Паталипутре был щедро украшен скульптурой. В 3 в. до н. э. получила широкое распространение новая религии – буддизм. Основатель буддизма царевич Сиддхартха Гаутама (6 в. до н. э.) отказался от мирских благ, путём внутреннего совершенствования достиг нирваны (прекращения перевоплощений на земле и освобождения от страданий) и стал называться Буддой («просветлённым»). При царе Ашоке буддизм был объявлен государственной религией. По всей стране возводились
В 1-3 вв. н. э. возвысилось царство Кушан, занимавшее Северную Индию, часть Средней Азии, Афганистана и Пакистана. В кушанском искусстве впервые появилось изображение Будды в виде человека. Будду представляли сидящим на троне в позе лотоса. Плащ, перекинутый через левое плечо, указывал на жизнь странника и аскета. Удлинённые мочки ушей, «третий глаз» на лбу и др. детали свидетельствовали о нём как об избранном, указывающем путь к спасению. В архитектуре усиливается декоративность форм. Строительным материалом становится кирпич. Ступы приобретают более вытянутую форму, возводятся на высокой цилиндрической платформе, имеющей лестницы и украшенной скульптурными изображениями Будды.
В 4 в. возникло мощное феодальное государство, управлявшееся династией Гуптов. Гупты были приверженцами религии индуизма, однако продолжали покровительствовать и буддизму. Появился новый тип индуистского храма, пирамидальная форма которого символизировала мировую гору, на которой обитают боги (храм бога Вишну в Деогархе, 4 в.). Стены украшались изваянными в технике высокого рельефа фигурами мифологических персонажей. Выдающийся памятник эпохи – буддийский храмовый комплекс Аджанты (4-6 вв.). Стены пещерных храмов украшены скульптурой; массивные формы каменных изваяний излучают мощную природную силу. Потолки и стены храмов сплошь расписаны сценами из буддийских легенд. Настенные росписи Аджанты – один из немногих сохранившихся образцов древнеиндийской живописи. Многократно повторяющийся образ Будды полон мягкости и вместе с тем одухотворённой силы.
В 7-12 вв. империя Гуптов распалась на небольшие самостоятельные княжества. В этот период возводились грандиозные храмовые комплексы, посвящённые главным индуистским богам – Брахме, Шиве и Вишну (Бхубанешвар,
ДРЕВНЕРУ?ССКОЕ ИСКУ?ССТВО, средневековый период истории русского искусства, продолжавшийся со времени образования государства Киевская Русь до петровских реформ (9-17 вв.). Возникло в результате слияния традиций восточно-славянского языческого искусства и византийской христианской культуры, наследие которой активно осваивалось после Крещения Руси (988).
Историю древнерусского искусства принято подразделятьнадва этапа: искусство Киевской Руси (9 – сер. 13 в.) и искусство времени формирования Московского государства (14-17 вв.). В художественной культуре Киевской Руси, в свою очередь, различают периоды: дохристианский, связанный с формированием державы Рюриковичей (9 – кон. 10 в.); вхождение в сферу византийской христианской культуры – от Крещения Руси (988) до конца правления князя Владимира Мономаха (1125); развитие искусства в княжествах периода феодальной раздробленности, прерванное нашествием Батыя в 1237 г. (12 – нач. 13 в.).
От дохристианского периода сохранились в основном произведения декоративно-прикладного искусства, свидетельствующие о высоком уровне развития художественных ремёсел (турьи рога с серебряными инкрустациями в зверином стиле из Чёрной могилы в Чернигове, 10 в.). Будучи язычниками, древние славяне поклонялись природным стихиям. Мифологические образы – воплощения стихий (изображения солнца, коня, птицы, цветка и др.) сохраняются по сей день в народном творчестве. Славяне устраивали капища (святилища), где воздвигали идолов (каменные или деревянные изваяния) почитаемых богов: Перуна, Хорса, Стрибога, Симаргла, Мокоши и др. Капища могли иметь овальную форму (Киев, ок. 980 г.) или многолепестковую, связанную с символикой солнца (Перынь, близ Новгорода).
Крещение Руси укрепило связи Руси со странами христианского мира, и прежде всего с Византией; обогатило русское искусство новыми образами и техническими приёмами. Прибытие на Русь множества византийских мастеров способствовало бурному развитию архитектуры (в особенности храмового зодчества),
В нач. 12 в. внутри единой киевской традиции сложились предпосылки для развития местных художественных школ. Роль культурного центра перешла от ослабевшего Киева к Владимиро-Суздальской Руси. Владимирские зодчие возводили белокаменные храмы. При князе Андрее Боголюбском были построены Успенский собор во Владимире (1189), церковь Покрова Богородицы на Нерли (1165), великолепные каменные княжеские хоромы в Боголюбове (1158-65). Интерьеры украшались фресками и иконами в золотых окладах, шитьём (вышитыми тканями), драгоценной утварью. Отличительной чертой владимиро-суздальской архитектуры стал резной скульптурный
В 1237-38 гг. почти все русские города были разорены полчищами Батыя, население истреблялось, храмы сжигались, ценности уничтожались, мастеров уводили на чужбину. Этой участи избежали лишь Новгород и Псков, которые стали центрами, где собирались уцелевшие творческие силы. В кон. 14 в. в Новгороде работал один из крупнейших мастеров эпохи, выходец из Византии
В 14 в. Москва, где княжили потомки Александра Невского, становится центром собирания русских земель. Многое сделал для её возвышения митрополит Пётр (1308-26), перенёсший в Москву из Владимира, номинально ещё считавшегося столицей Руси, свою резиденцию. Заложенный Петром и законченный князем Иваном Калитой Успенский собор в
В 1480 г., в правление Ивана III, произошло окончательное освобождение от татаро-монгольского ига. Москва превращалась в столицу могущественного государства. Зримым воплощением новой роли Московии как великой европейской державы стал великолепный ансамбль зданий Соборной площади, стен и башен Московского Кремля, созданный на рубеже 15-16 вв. русскими и итальянскими зодчими. В столичной среде формируется утончённое и просветлённое искусство
В 16 в. в Московии возводятся шатровые церкви (церковь Вознесения в
В 17 в. средоточием художественного производства в Московском государстве становится
ДЮ?РЕР (dьrer) Альбрехт (1471, Нюрнберг – 1528, там же), немецкий живописец, рисовальщик и гравёр, теоретик искусства; один из крупнейших мастеров эпохи
В творчестве Дюрера переплелись традиции поздней
Художник пристально изучал натуру, размышлял над проблемами искусства, разрабатывал учение об идеальных
Для зрелых работ Дюрера («Алтарь Паумгартнеров», ок. 1498 г.; «Поклонение волхвов», ок. 1504 г.; «Праздник чёток», 1506; «Поклонение Св. Троице», 1511) характерны ренессансное стремление к ясности и уравновешенности композиции, соразмерности и пластической объёмности фигур; их колористическое решение построено на сопоставлении ярких локальных цветов. В алтарном образе «Праздник чёток», написанном для немецкой церкви в Венеции, Мадонне с Младенцем поклоняются император и Папа Римский. В толпе людей позади Дюрер поместил портретные изображения многих своих современников. Эта работа наиболее близка итальянскому ренессансному искусству радостным полнозвучием красок и гармонической умиротворённостью. В поисках идеальных пропорций человеческого тела Дюрер первым из немецких художников обратился к изображению обнажённой натуры (гравюра «Адам и Ева», 1504, и одноимённый живописный диптих, ок. 1507 г.). Итоговой работой художника стал диптих «Четыре апостола» (1526), поражающий лаконизмом и мощью.
Дюрер был одним из крупнейших европейских портретистов. Героев его живописных («Портрет отца», 1490; «Портрет Якоба Муфеля», 1526) и графических («Портрет матери», 1514; «Портрет Эразма Роттердамского», 1526) работ отличает гордое самосознание, духовная энергия, напряжённая внутренняя жизнь. Важное место в наследии Дюрера занимают автопортреты, самый ранний из которых был создан художником в возрасте 13 лет.
Пытливый исследователь, Дюрер на протяжении всей жизни создавал рисунки с натуры (некоторые позднее переводились в
Личность Дюрера явила новый для Германии ренессансный тип художника-мыслителя. Его творчество оказало значительное влияние на развитие немецкого искусства первой пол. 16 в. Гравюры Дюрера, разошедшиеся по всей Европе, зримо проповедовали гуманистические идеалы эпохи Возрождения.
ДЮШAН М., см. в ст.
ДЯ?ГИЛЕВ Сергей Павлович (1872, Новгородская область – 1929, Венеция), русский театральный деятель, антрепренёр, меценат, историк искусства. Окончил юридический факультет Санкт-Петербургского университета (1896; одновременно учился в Петербургской консерватории у Н. А. Римского-Корсакова). В студенческие годы подружился с А. Н.
Первый номер «Мира искусства» открывался программной статьёй Дягилева «Сложные вопросы», где выдвигались новые критерии искусства: свобода, самоценность (независимость от действительности) и красота. По словамхудожественного критика С. К. Маковского, Дягилев «был убеждённым европейцем и, одновременно, страстно любил всё русское». Его деятельность была направлена на то, чтобы познакомить русскую художественную интеллигенцию с новейшими достижениями западноевропейской музыки и живописи, а зарубежную публику – с русским искусством. Он постоянно публиковал в журнале репродукции произведений русских и западноевропейских художников, обзоры текущих выставок, аналитические статьи о новых течениях в театре, музыке и изобразительном искусстве.
Дягилев одним из первых оценил русскую живопись 18 – первой пол. 19 в.; он организовал «Историко-художественную выставку русских портретов» в Таврическом дворце в Санкт-Петербурге (1905); издал первый том «Русской живописи в 18 в.», посвящённый творчеству Д. Г.
В 1907-14 гг. Дягилев ежегодно организовывал выступления русских артистов за границей – знаменитые «
В 1911 г. Дягилев организовал постоянную балетную труппу «Русский балет», которая гастролировала в городах Европы и Америки. В 1914 г. в связи с началом Первой мировой войны переехал вместе с артистами балета в Нью-Йорк, где осталась большая часть танцовщиков. В 1917 г. Дягилев возвратился в Европу и создал новую труппу (существовала до 1929 г.).
© 2024 Библиотека RealLib.org (support [a t] reallib.org) |